Blogadão

O Paradoxo do Nosso Tempo

2012-01-31T20:38:00.000-08:00

O Paradoxo do Nosso Tempo

Nós bebemos demais, fumamos demais, gastamos sem critérios, dirigimos rápido demais, ficamos acordados até muito mais tarde, acordamos muito cansados, lemos muito pouco, assistimos TV demais e rezamos raramente.

Multiplicamos nossos bens, mas reduzimos nossos valores. Nós falamos demais, amamos raramente, odiamos freqüentemente. Aprendemos a sobreviver, mas não a viver; adicionamos anos à nossa vida e não vida aos nossos anos.

Fomos e voltamos à Lua, mas temos dificuldade em cruzar a rua e encontrar um novo vizinho. Conquistamos o espaço, mas não o nosso próprio.

Fizemos muitas coisas maiores, mas pouquíssimas melhores.

Limpamos o ar, mas poluímos a alma; dominamos o átomo, mas não nosso preconceito; escrevemos mais, mas aprendemos menos; planejamos mais, mas realizamos menos.

Aprendemos a nos apressar e não, a esperar.

Construímos mais computadores para armazenar mais informação, produzir mais cópias do que nunca, mas nos comunicamos menos.

Estamos na era do 'fast-food' e da digestão lenta; do homem grande de caráter pequeno; lucros acentuados e relações vazias.

Essa é a era de dois empregos, vários divórcios, casas chiques e lares despedaçados.

Essa é a era das viagens rápidas, fraldas e moral descartáveis, das rapidinhas, dos cérebros ocos e das pílulas "mágicas".

Um momento de muita coisa na vitrine e muito pouco na dispensa.

Uma era que leva essa carta a você, e uma era que te permite dividir essa reflexão ou simplesmente clicar 'delete'.

Fonte: http://pensador.uol.com.br/o_paradoxo_do_nosso_tempo/

Esculturas em Papel Jeff Nishinaka

2011-08-20T15:41:00.000-07:00

Quem diria que com simples folhas em branco, tesoura e cola alguém conseguiria fazer lindas esculturas? Pois é, o norte-americano Jeff Nishinaka faz.
Ele utiliza de toda sua criatividade e ousadia para compor junto com a modelagem do papel figuras com efeitos tridimensionais.

Pintando com beijos!

2011-07-08T19:34:00.000-07:00

Artista Natalie Irish criou recentemente um retrato de Marilyn Monroe de um modo, no mínimo, curioso: com marcas de batom deixadas pelos seus beijos.

Graças a essa abordagem única a artista, residente de Houston, nos Estados Unidos, vem chamando a atenção. Sua criação consegue equilibrar o realismo do rosto da bela Marilyn com a poética natural de seu processo de criação orgânico, fato que resulta em uma peça belíssima.

Fonte:www.zupi.com.br

Arte e a realidade - Artista Plástico cria obra em analogia ao DNA humano!

2011-07-08T19:30:00.001-07:00

Chris Dorosz, artista plástico, suspende diversas gotas de tintas com fios de nylon.

As gotas são colocadas em ângulos diferentes e formam figuras humanas coloridas por meio de um efeito tridimensional.

A ideia do artista é destacar a matéria prima, no caso a tinta, e criar uma analogia da gota com o DNA humano. Curioso né?

Fonte:www.zupi.com.br

Desenho e Educação - as escolas brasileiras e o pré conceito ao Desenho

2011-07-08T19:03:00.000-07:00

VII Seminário do Programa de Pós-Graduação em Desenho e
III Colóquio Internacional sobre Desenho: Educação, Cultura e Interatividade

Pesquisas realizadas no Programa de Pós-Graduação em Desenho demonstram que, cada vez mais, o conhecimento em desenho e a prática do desenhar estão sumindo dos espaços escolares brasileiros, principalmente, as escolas públicas de Ensino Básico. As consequências desta falha educacional são sentidas no ensino superior, nos cursos cujo saber em desenho é condição fundamental para seu desenvolvimento, como no caso da Arquitetura, Engenharia Civil, Design etc. Isso ocorre mesmo com a inserção das novas tecnologias de informática e computação, pois o desenho é linguagem e conhecimento e não apenas mero instrumento. A situação se agrava quando se percebe que o desenho continua sendo símbolo de ócio, o que pode ser verificado em expressões corriqueiras no âmbito educacional, como: “hoje é sexta feira, é dia de desenho” ou “preciso organizar a caderneta, vou colocar os meninos para desenhar”.

Além da prática comum de muitos professores, de se utilizar de fotocópias de desenhos temáticos e festivos para colorir ou fazer colagem sobre elas. Tais “métodos” de ensino de desenho ou de desenvolvimento das habilidades motoras, que se perpetuam a décadas nas escolas públicas, colocam o Desenho como mero instrumento, banalizando-o a ponto de estabelecê-lo como um agente facilitador do trabalho árduo do pedagogo, que entre outras atividades, precisa dar conta de toda a burocracia em sala de aula. O Desenho, linguagem e conhecimento prático e teórico, vive grandes transformações que não são adotadas e nem absorvidas em sala de aula. Por conta destes distúrbios na compreensão do conceito de “Desenho” é que este evento é necessário e importante, para que discussões, a fim de propor possíveis soluções para a problemática criada em torno do tema, sejam suscitadas.

O Programa de Pós-Graduação em Desenho, Cultura e Interatividade, juntamente com o Curso de Especialização em Desenho e o Núcleo de Desenho e Artes, assumem a proposta de discutir neste Seminário e no Colóquio estudos inter e multidisciplinares em Desenho, em que a Educação é a pedra fundamental como objeto de reflexão obrigatório para se entender qualquer produção humana, técnica, artística, científica e tecnológica.

O VII Seminário do Programa de Pós-Graduação em Desenho aqui proposto figura como uma das atividades obrigatórias do Programa de Pós-Graduação em Desenho e é uma oportunidade de interação entre profissionais da área, muitos formados inclusive pelo próprio programa, já que é organizado em parceria com os alunos e ex-alunos do Mestrado, da Especialização e Graduação da UEFS e de outras IES que desenvolvam estudos na área ou em áreas afins.

O III Colóquio Internacional sobre Desenho: Educação, Cultura e Interatividade foi estabelecido para propiciar intercâmbio com outras instituições universitárias e de pesquisa de outros países, neste ano, destacam-se Portugal, França e México. Através destes dois eventos, pretende-se socializar a produção científica e artística de discentes/docentes/pesquisadores, fruto dos estudos realizados nos Grupos de Pesquisa, e refletir sobre ações interativas e multidisciplinares, contribuindo para a compreensão do desenho na dimensão cultural, temporal, antropológica, como patrimônio e memória, de modo a promover o diálogo interativo e cooperativo entre as diversas áreas do conhecimento.
Os Programas de Pós-Graduação da UEFS têm por meta produzir conhecimento e alavancar a pesquisa, e é esse outro objetivo do Programa de Desenho, pois a pesquisa é o lugar da emergência do conhecimento, que capta a força de transformação ativa da sociedade e que gera a mudança.

Para informações de como participar do colóquio, entre: http://www2.uefs.br/msdesenho/

O massacre à educação ainda não acabou...Professores de rede federais sem receber a mais de 3 meses...

2011-04-27T19:24:00.000-07:00

É incrível a hipocresia nesse país. Todos pela educação...todos menos o governo da nossa "querida" Dilma...professores concursados em regime de substituto sem receber a mais de 3 meses...podem até ser demitidos (e cadê a Globo que nem divulga isso...é uma que tá de conchavo com o governo a fim de conseguir seus interesses e servir de meio pros interesses do governo) ...corte na educação federal em todo país...no dia 13 de abril, mais de 15 mil servidores foram à Brasília, exigindo 62% de aumento, que foi o reajuste dos parlamentares que "dão duro" por nós brasileiros...(até parece...)é um governo para o país ou para interesses individuais de parlamentares, que falsificam folhas de pagamento para dizer que não receberam e assim ganhar mais, que "batem ponto" mas não trabalham nada...acho que deveriam mudar os dados do IBGE de população do Brasil de 190 milhões para 19 mil (número que representa-não é fato- os parlamentares de todo o Brasil) porque o governo é só pra eles...bom, não queria fazer essa comparação, mas parece até o massacre na escola em Realengo, o governo, totalmente armado, atacando aqueles que querem realmente mudar o país (alunos, professores, trabalhadores honestos)...pena que os parlamentares não são suicídas...(brincadeira de mau gosto, mas não tá dando mais pra aguentar essa situação podre na política...)
Somos em maior número (isso lembra até a cena do "Vida de Inseto" quando as formigas se unem pra afugentar os gafanhotos) mas enquanto ficarmos parados, a coisa vai ficar como tá e até piorar...Vamos nos unir e acabar com essa sujeira!

Pura Alienação destrutiva...quem são os verdadeiros heróis - Luiz Fernando Verissimo

2011-01-31T19:39:00.000-08:00

Que me perdoem os ávidos telespectadores do Big Brother Brasil (BBB), produzido e organizado pela nossa distinta Rede Globo, mas conseguimos chegar ao fundo do poço...A décima primeira (está indo longe!) edição do BBB é uma síntese do que há de pior na TV brasileira. Chega a ser difícil,... encontrar as palavras adequadas para qualificar tamanho atentado à nossa modesta inteligência.
Dizem que em Roma, um dos maiores impérios que o mundo conheceu, teve seu fim marcado pela depravação dos valores morais do seu povo, principalmente pela banalização do sexo. O BBB é a pura e suprema banalização do sexo. Impossível assistir, ver este programa ao lado dos filhos. Gays, lésbicas, heteros... todos, na mesma casa, a casa dos “heróis”, como são chamados por Pedro Bial. Não tenho nada contra gays, acho que cada um faz da vida o que quer, mas sou contra safadeza ao vivo na TV, seja entre homossexuais ou heterosexuais. O BBB é a realidade em busca do IBOPE...
Veja como Pedro Bial tratou os participantes do BBB. Ele prometeu um “zoológico humano divertido” . Não sei se será divertido, mas parece bem variado na sua mistura de clichês e figuras típicas.
Pergunto-me, por exemplo, como um jornalista, documentarista e escritor como Pedro Bial que, faça-se justiça, cobriu a Queda do Muro de Berlim, se submete a ser apresentador de um programa desse nível. Em um e-mail que recebi há pouco tempo, Bial escreve maravilhosamente bem sobre a perda do humorista Bussunda referindo-se à pena de se morrer tão cedo.
Eu gostaria de perguntar, se ele não pensa que esse programa é a morte da cultura, de valores e princípios, da moral, da ética e da dignidade.
Outro dia, durante o intervalo de uma programação da Globo, um outro repórter acéfalo do BBB disse que, para ganhar o prêmio de um milhão e meio de reais, um Big Brother tem um caminho árduo pela frente, chamando-os de heróis. Caminho árduo? Heróis?
São esses nossos exemplos de heróis?
Caminho árduo para mim é aquele percorrido por milhões de brasileiros: profissionais da saúde, professores da rede pública (aliás, todos os professores), carteiros, lixeiros e tantos outros trabalhadores incansáveis que, diariamente, passam horas exercendo suas funções com dedicação, competência e amor, quase sempre mal remunerados..
Heróis, são milhares de brasileiros que sequer têm um prato de comida por dia e um colchão decente para dormir e conseguem sobreviver a isso, todo santo dia.
Heróis, são crianças e adultos que lutam contra doenças complicadíssimas porque não tiveram chance de ter uma vida mais saudável e digna.
Heróis, são aqueles que, apesar de ganharem um salário mínimo, pagam suas contas, restando apenas dezesseis reais para alimentação, como mostrado em outra reportagem apresentada, meses atrás pela própria Rede Globo.
O Big Brother Brasil não é um programa cultural, nem educativo, não acrescenta informações e conhecimentos intelectuais aos telespectadores, nem aos participantes, e não há qualquer outro estímulo como, por exemplo, o incentivo ao esporte, à música, à criatividade ou ao ensino de conceitos como valor, ética, trabalho e moral.
E ai vem algum psicólogo de vanguarda e me diz que o BBB ajuda a "entender o comportamento humano". Ah, tenha dó!!!
Veja o que está por de tra$$$$$$$$$$$$$$$$ do BBB: José Neumani da Rádio Jovem Pan, fez um cálculo de que se vinte e nove milhões de pessoas ligarem a cada paredão, com o custo da ligação a trinta centavos, a Rede Globo e a Telefônica arrecadam oito milhões e setecentos mil reais. Eu vou repetir: oito milhões e setecentos mil reais a cada paredão.
Já imaginaram quanto poderia ser feito com essa quantia se fosse dedicada a programas de inclusão social: moradia, alimentação, ensino e saúde de muitos brasileiros?
(Poderiam ser feitas mais de 520 casas populares; ou comprar mais de 5.000 computadores!)
Essas palavras não são de revolta ou protesto, mas de vergonha e indignação, por ver tamanha aberração ter milhões de telespectadores.
Em vez de assistir ao BBB, que tal ler um livro, um poema de Mário Quintana ou de Neruda ou qualquer outra coisa..., ir ao cinema..., estudar... , ouvir boa música..., cuidar das flores e jardins... , telefonar para um amigo... , visitar os avós... , pescar..., brincar com as crianças... , namorar... , ou simplesmente dormir. Wilma acrescenta: [ler a bíblia... , ajudar o próximo... , orar pelos que hoje sofrem com a tragédia das enchentes... ,]
Assistir ao BBB é ajudar a Globo a ganhar rios de dinheiro e destruir o que ainda resta dos valores sobre os quais foi construída nossa sociedade.

O passado a umas dobras do presente

2011-01-14T12:01:00.000-08:00

Ligar o passado e o presente num mesmo retrato não é novidade, como já vimos no projeto Age-maps, criado pelo americano Bobby Neel Adams. A inglesa Abigail Reynolds parte da mesma ideia, mas inova ao compor belíssimos trabalhos a partir de complicadas e cuidadosas dobraduras.

Reynolds recupera imagens antigas de paisagens e monumentos e as mescla com fotos atuais ou de épocas diferentes, que tenham sido tiradas de ângulos bem parecidos. Para encontras as imagens que deseja, a artista costuma frequentar sebos e mercados de pulgas: suas fontes preferidas são atlas, enciclopédias e guias turísticos.

No entanto, o mais trabalhoso de sua criação são as dobraduras: Abigail toma cuidado para preservar a foto inteira enquanto as modela e recorta. Assim, se alguém dobrar as partes para dentro ou para fora, poderá visualizar a imagem inteira.

Alguns trabalhos de Reynolds estão expostos na galeria de arte contemporânea Ambach & Rice, em Seattle, EUA. A mostra Collider foca na série The Universal Now, e fica em cartaz até dia 16 de janeiro. Acima, algumas das peças em exposição:

Saiu no G1: Governo inclui bônus e cursos em plano de metas de professores do RJ. (Bonificação pode chegar a três salários a mais no fim do ano)

2011-01-06T20:06:00.000-08:00

A Secretaria estadual de Educação vai anunciar a criação de um novo plano de metas para os professores da rede para melhorar a qualidade do ensino. Os educadores que atingirem 100% das metas vão receber uma bonificação em dinheiro, que pode chegar a até três salários a mais no fim do ano, além de cursos de capacitação em universidades e na escola corporativa da Secretaria, que será criada em junho.
Outra novidade é o fim das indicações para os cargos de gestão e diretoria das escolas. Os funcionários serão escolhidos por um processo seletivo.
O programa será divulgado na sexta-feira (7). O objetivo do plano de metas é tirar o Rio de Janeiro da penúltima posição no Índice de Desenvolvimento da Educação Básica do Estado (Ideb). O indicador avalia a cada dois anos o aprendizado no ensino fundamental e médio em todo o país. Na última avaliação, o Rio só ficou à frente do Piauí.
Educação será prioridade no governo, diz Cabral
No dia 1º de janeiro, na cerimônia de posse, o governador Sérgio Cabral prometeu que a educação será prioridade no segundo mandato.
“Quero assumir o compromisso com o povo do estado do Rio de Janeiro, que em 2014 o estado do Rio de Janeiro estará entre os cinco melhores estados do Ideb no Brasil”, disse Cabral na cerimônia.
O plano do governo promete uma virada de página na educação. O acompanhamento do que acontece dentro das salas de aula será mais rigoroso. Uma das medidas é implementar um currículo mínimo para as disciplinas Matemática, Português, História, Geografia, Sociologia e Filosofia.
Provas e simulados
Com a adoção do novo plano, os alunos passarão a fazer avaliações de desempenho e simulados a cada dois meses. Além disso, os estudantes terão provas para o Índice de Desenvolvimento da Educação Básica do Estado (Iderj). O Iderj foi criado nos moldes do Ideb e será aplicado nos anos em que não há a prova do MEC.
Os resultados que os estudantes obtiverem nos exames vão contar na avaliação dos professores, que também terão seu desempenho apreciado - com um peso menor - pelas condições em que o colégio é mantido.
As 1.466 escolas estaduais passaram por uma vistoria e, segundo a Secretaria, vão receber desde pequenos reparos até investimentos em ampliações e tecnologia.
“A meta ela é coletiva, ela é para escola. Então, o conjunto de servidores que trabalham naquela escola, todos juntos, têm a função de cumprir aquela meta. Cada qual dentro do seu papel”, explicou o secretário estadual de Educação, Wilson Risolia.

PS: Demorou pro Governo enxergar que, pra sedir eventos tão importantes como Olimpíadas e Copa do Mundo o povo precisa ser educado par receber bem os visitantes...

Último dia para ver Guerra e Paz de Portinari no Teatro Municipal cria uma fila gigantesca

2011-01-06T19:42:00.000-08:00

Dia 06/01/2011 (quinta) foi o último dia para ver de perto os painéis de Guerra e Paz, de Candido Portinari, no Teatro Municipal do Rio de Janeiro. Os painéis estavam em Nova Iorque através de uma doação do governo brasileiro à ONU (Organização das Nações Unidas). Os painéis gigantes de "Guerra e Paz" têm 14 metros de altura. Consumiram quatro anos de trabalho e a saúde de Portinari, que mesmo intoxicado pelas tintas se dedicou de corpo e alma a obra. A razão para que os painéis fossem expostos no Teatro Municipal se deve ao fato de, há mais de cinquenta anos, terem sido lançadas nesse mesmo Teatro, inclusive com a presença do então presidente, Juscelino Kubischeck.
Hoje, dia 06/01/2011 estava passando pelo Teatro quando vi uma fila gigantesca dando a volta no quarteirão. Muitos abriram mão do conforto para aguarda em pé, naquela imensa fila, num calor de 38° C só para não perder essa última oportunidade de ver essa magnífica obra de arte. No total, mais de 30 mil pessoas foram ao Teatro para visitar a obra.
Depois da exposição no Theatro Municipal, os painéis serão levados para o Palácio Gustavo Capanema, onde serão restaurados em ateliê aberto ao público de janeiro a maio de 2011. Uma vez restaurados os trabalhos, o Projeto Portinari planeja expor na Oca, em São Paulo, em julho de 2011.

Centro de Artes Calouste Gulbenkian e Museu Calouste Gulbenkian

2010-12-30T06:58:00.000-08:00

Calouste Gulbenkian nasceu numa família de abastados comerciantes arménios. O seu pai importava querosene da Rússia. Estudou em Londres, no King's College, onde obteve o diploma de Engenharia (1887).naturalizado britânico (1902), ativo no setor do petróleo e um dos pioneiros no desenvolvimento desse setor no Médio Oriente. Foi também um mecenas, com um grande contributo para o fomento da cultura em Portugal. A sua herança esteve na origem da constituição da Fundação Calouste Gulbenkian.

O Centro de Artes Calouste Gulbenkian foi criado em 11 de março de 1971, na Praça
Onze, e recebe o nome de Calouste Gulbenkian em homenagem à instituição cultural portuguesa sediada em Lisboa - Fundação Calouste Gulbenkian. O Centro de Artes Calouste Gulbenkian foi construído em um prédio com uma área interna de 8.800 m ² e área externa de 1.733 m ², com 32 salas, com recursos doados por essa Fundação, ao governo brasileiro.
A origem do Centro Calouste está ligada à necessidade de formar professores de Artesanato para atender às Escolas da Rede Oficial do antigo Estado da Guanabara. Em 1975, com a fusão entre os dois Estados - Guanabara e Rio de Janeiro - o Centro Calouste passou a integrar a recém criada Secretaria Municipal de Cultura.
A nova estrutura devolveu ao Centro de Artes Calouste Gulbenkian sua importância enquanto Pólo de Serviço Municipal para atender aos interesses da população, nas áreas cultural, artística e social, e o transformou num equipamento uno, onde arte, cidadania e educação se congregam.

O Museu Calouste Gulbenkian situa-se na Fundação Calouste Gulbenkian em Lisboa. A sua colecção é composta por aproximadamente seis mil peças de arte antiga e moderna, das quais apenas mil e trinta se encontram expostas ao público.
O museu abriu as suas portas em Outubro de 1969, dando seguimento às disposições testamentárias de Calouste Sarkis Gulbenkian, industrial de origem arménia, fixado emPortugal em meados do século XX, e que ao longo da sua vida reuniu uma vasta colecção de arte. O edifício onde se situa o museu, situado no Parque de Santa Gertrudes, foi da autoria de Alberto Pessoa, Pedro Cid e Ruy de Athouguia.
As peças da exposição permanente encontram-se expostas de forma a constituir dois circuitos independentes. O primeiro é dedicado à Arte Oriental e Clássica, com peças de arte egípcia, greco-romana,arte islâmica, arte da China e arte do Japão.
O outro circuito é dedicado à Arte Europeia, com peças cronologicamente situadas num período que se inicia no século XI e termina no século XX. Este circuito possui núcleos dedicados à arte do livro, artes decorativas, escultura e pintura. No tocante a este último núcleo, salientem-se os trabalhos de artistas como Domenico Ghirlandaio, Degas, Édouard Manet, Peter Paul Rubens ou William Turner.

Fontes: Site Centro de Artes Calouste Gulbenkian : http://www0.rio.rj.gov.br/calouste/
Wikipédia
Site Museu Calouste Gulbenkian: http://www.museu.gulbenkian.pt/main.asp?lang=pt

Norman Rockwell - O maior ilustrador que já se viu!

2010-12-27T19:31:00.000-08:00

Fonte: Zupi

Norman Rockwell nasceu em fevereiro de 1894, em Nova York. Entre essa data e 8 de novembro de 1978, dia em que faleceu em decorrência de um enfisema, produziu mais de 4 mil obras e deixou uma marca indelével nos campos da ilustração e das artes.

Ainda jovem, aos 21 anos, Rockwell dividia o estúdio com o cartunista Clyde Forsythe, que na época trabalhava para o The Saturday Evening Post. Com sua ajuda, o jovem ilustrador conseguiu emplacar pela primeira vez uma de suas pinturas na capa da publicação. Nos 12 meses que se seguiram, o sucesso se repetiu em mais oito edições. Ao final de 47 anos, Rockwell havia publicado um total de 322 capas originais no The Saturday Evening Post, trabalho que o tornou popularmente conhecido e celebrado em todo o país.
Além dessa célebre série de capas, o ilustrador também produziu artes para publicações e calendários da Boy Scouts of America, e ilustrou mais de 40 livros, incluindo os clássicos norte-americanos Tom Sawyer e Huckleberry Finn. Também entram em sua lista de criações livretos, catálogos, cartazes, livros de partituras, selos, cartas de baralho e murais.
Seu trabalho é frequentemente caracterizado por retratos sentimentalizados do cotidiano norte-americano, versando também em temas como racismo e liberdade de expressão.
O ilustrador brasileiro Benício é um dos que se podem notar semelhança ao nível de realismo de Rockwell.

O pai do geometrismo espacial: Georges Rousse

2010-12-27T18:02:00.000-08:00

» News / por Zupi

Fonte: www.zupi.com.br

Georges Rousse é um fotógrafo por excelência. Afinal, a visão que suas imagens nos oferecem só pode ser experimentada ali, daquele preciso ângulo e naquele exato momento. Adepto da técnica conhecida como trompe l’oeil, que usa truques de perspectiva para criar ilusões de óptica, o francês cria pinturas que, vistas de certo ponto, mais parecem intervenções digitais sobre imagens capturadas com uma câmera.

Em seu trabalho, nenhum elemento é manipulado em computador, de modo que tudo se baseia em formas criadas à mão e conjuntos decorativos situados estrategicamente no espaço.

Em suas obras, geralmente criadas em locais abandonados, nada é por acaso: cada milímetro é planejado para que, no momento do clique final, o simulacro de volume se apresente na íntegra, quase como uma realidade alternativa. As irregularidades das paredes e elementos do ambiente são anuladas e passam a compor formas de duas dimensões, como círculos e quadrados.

Como pai do que se chama de “geometrismo espacial”, Georges Rousse influenciou muitos outros artistas, como, por exemplo, Felice Varini.

Nos anúncio de TV algo parecido pode ser visto, por exemplo, na propaganda do Fiat Idea Adventure, onde também se vê a técnica do Anaformismo.

As duas primeiras imagens são de Felice Varini eas últimas de Georges Rousse.

Tenho que desabafar, MHN e os alunos da UFRJ

2010-12-22T19:26:00.000-08:00

O MHN (Museu Histórico Nacional) é muito contraditório...
Os estágios remunerados são para os alunos da UNIRIO
Os trabalhos voluntários ficam com os alunos da UFRJ...
Tô lendo o 1808 (já saiu o 1822, mas ainda tô no 1808, na 5ª página)
do Laurentino Gomes.
Ele questiona: porque o MHN, que deveria ser um Museu de Residência
da Família Real é , na verdade, um Museu de História Natural???
Porque???
Porque o estágio remunerado não é pros alunos da UFRJ???
Porque???

Nota: Se Laurentino Gomes teve a liberdade de questionar, porque eu não??
Porque??

Implosão do HUCFF (Hospital Universitário Clementino Fraga Filho) no Fundão UFRJ

2010-12-19T07:48:00.000-08:00

Às 7h da manhã deste domingo, dia 19/12/10, ocorreu a implosão do HUCFF (Hospital Universitário Clementino Fraga Filho) no Fundão UFRJ. O prédio de 13 andares, erguido na década de 1950 e jamais concluído, levou 20 segundos para cair por terra.Para o reitor Aloísio Teixeira, a universidade sai ganhando com a construção de um novo hospital na área que ficará vaga após a remoção dos escombros.Com o novo hospital, a Ala Norte, onde hoje funciona o atendimento clínico e ambulatorial, terá as dependências aproveitadas com salas de aula, gabinetes de professores e laboratórios de pesquisa.O diretor do Clementino Fraga Filho, José Marcus Raso Eulálio informou que uma equipe de limpeza e descontaminação trabalhará para que até o dia 3 de janeiro o prédio possa receber os funcionários técnicos e administrativos.Em 21 de junho, a ruptura em dois pilares condenou o prédio da Ala Sul. A UFRJ optou pela implosão, pois além de mais rápida custou cinco vezes menos que a demolição manual.

Fonte: http://www.ufrj.br/mostraNoticia.php?cod_noticia=11107

Veja também o vídeo da implosão: http://www.webtv.ufrj.br/?option=com_content&task=view&id=849&Itemid=

Vasarely - O mestre em 3D na tela 2D

2010-11-30T18:52:00.000-08:00

"A arte de amanhã será um tesouro coletivo ou deixará de ser arte."

Um dos fundadores da arte cinética e um dos principais representantes da "op art", Victor Vasarely foi o criador de uma obra de alcance e acesso social. O pintor e escultor húngaro, radicado na França, utilizou o recurso da reprodução gráfica para ampliar sua capacidade de fazer circular a obra de arte. Com o entusiasmo de consolidar novos elementos para a integração social também foi um dos pioneiros a considerar a arte como um “tesouro coletivo”, do qual todos devem participar.
A seleção de serigrafias, composta por 21 obras, exemplifica a maestria de Vasarely na investigação das superfícies cromáticas e suas relações no espaço como síntese e reflexo do mundo. A coleção é proveniente da Fundación Museos Nacionales, instituição vinculada ao Ministerio del Poder Popular para la Cultura de la República Bolivariana de Venezuela. A mostra conta com o patrocínio da Agência de Fomento, COPEL, COMPAGAS, SANEPAR, CAIXA e o apoio do Ministério da Cultura e do Governo do Paraná.

Na construção de sua linguagem, Vasarely incluiu a geometria, a física, os avanços tecnológicos, a química e os elementos plásticos para articular novas fontes poéticas, com a intenção de democratizar e socializar a arte. Em 1947, ele “reconhece que a forma e a cor podem significar o mundo e ampliar o horizonte da percepção estética. Através de suas formas desejava expressar uma visão espiritual do mundo: com simplicidade, nobreza, equilíbrio e a separação da pressão do tempo”, explica a curadora María Luz Cárdenas.

O artista

Victor Vasarely começou como gráfico em Paris, dedicando-se ao estudo da luz, do espaço e dos materiais. A partir de 1944, dedicou-se à escultura, desenvolvendo abstrações geométrico-construtivas. O sistema de "unidades plásticas", iniciado em 1959, representa a aplicação prática de suas concepções matemáticas e científicas no âmbito artístico. A técnica consistia em introduzir formas geométricas em um elemento básico de forma quadrangular, produzindo efeitos espaciais, cinéticos ou vibratórios a partir de variações lineares e cromáticas.

A utilização diferenciada de diversas formas geométricas na superfície e no espaço possibilitava a combinação ilimitada de redes de linhas e movimentos ondulatórios. As obras de Vasarely representam uma síntese entre a arte concreta e o construtivismo, bem como a possibilidade de controlar a obra de um ponto de vista racional e estético. Em 1976, concebeu um museu para a exibição das suas obras em Aix-en-Provence e, em 1981, foi inaugurado o Museu Vasarely, no Castelo de Gordes (Vaucluse).

Fonte: Museu Oscar Niemeyer - Paraná

O caminho é a Educação - Biblioteca de Medellín na Colômbia dá o exemplo com a implantação de uma super Biblioteca Parque

2010-11-30T18:19:00.000-08:00

Medellín, na Colômbia, era uma cidade marcada pelo narcotráfico e pela violência. Mas a partir de 2006, com a inauguração de Bibliotecas Parque – uma biblioteca com um parque para que os leitores possam usufruir da leitura ao ar livre – a cidade elevou o seu nível educacional, fator que contribuiu para a diminuição do índice de violência.

Inspirando-se nesse projeto, foi implantada em Manguinhos, no Rio de Janeiro, a primeira Biblioteca Parque brasileira, em um espaço de 3,3 mil m², que sediava o antigo Depósito de Suprimento do Exército (1º DSUP). Essa área foi totalmente urbanizada, e se transformou no local de maior concentração de equipamentos sociais em uma comunidade carente da cidade, um complexo com ludoteca, filmoteca, sala de leitura para portadores de deficiências visuais, acervo digital de música, cineteatro(em construção), cafeteria (ainda não foi inaugurada), acesso gratuito à Internet e uma sala denominada Meu Bairro, para que os usuários façam reuniões da comunidade.

A Biblioteca Parque de Manguinhos é equipada com 40 computadores para internet livre, livros eletrônicos, 3 milhões de música em arquivo digital (do Imusica), 700 filmes em dvd, uma vasta coleção de quadrinhos e, sem esquecer dos livros, claro – são 25 mil títulos.
Todos os 28 funcionários da biblioteca são moradores da região e contratados pela Secretaria estadual de Cultura. Eles foram treinados para atender à todas as pessoas que visitarem o local.

Já a Biblioteca que ispirou a de Manguinhos, a de Medellín, na Colômbia é de uma estrutura super arrojada, e se destaca da paisagem com seu aspecto de grandes rochas lascadas, bruta por fora, mas exuberante por dentro.

Agora, não adianta o governo implantar bibliotecas nas áreas carentes e não despertar interesse da população pela leitura e melhorar a qualidade da educação nas escolas. As duas vertentes devem andar de mãos dadas, pois um livro não muda o mundo e sim pessoas. As pessoas são as que mudam o mundo...

A Biblioteca Parque de Manguinhos fica no endereço: Avenida Dom Helder Câmara, 1184
Tel: (21) 23348917

Daniel Senise

2010-11-18T04:34:00.000-08:00

Daniel Senise (Rio de Janeiro, 1955) é um pintor brasileiro. Formou-se em engenharia civil na UFRJ em 1980 e ficou conhecido com a participação na exposição Como vai você, Geração 80?, que foi realizada em 1984 (da qual também fez parte Eneas Valle, atualmente professor de Produção Cultural e de Escultura e Reciclagem na UFRJ). Foi aluno e professor na Escola de Artes Visuais do Parque Lage durante o período de 1986 a 1994.
Sua carreira obteve destaque em 1985 ao expor na Grande Tela da 18° Bienal de São Paulo. Daniel Senise percorreu o mundo com algumas exposições individuais, como no Museum of Contemporary Art of Chicago em 1991 e no Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey em 1994.
No início de sua carreira, sua produção era focada em temas e volumes vazios de imagens indefinidas que eram retiradas de objetos do cotidiano. Ao final da década de 80, suas telas passam a adquirir cores intensas e variadas, enfocando paisagens imaginárias e descontínuas.
As pinturas Renascentistas também foram influência no trabalho de Senise, evocando o passado e a tradição para se compor uma arte contemporânea. Assim as pinturas de Senise são uma mistura de história da arte, imagens e a percepção atual da sociedade, abrindo-se para uma ampla combinação de experiências. Sua idéia é ativar o imaginário do espectador e criar diversas sensações.
Em 1998 foi publicado o livro Daniel Senise: ela que não está, pela Cosac & Naify, com textos de Ivo Mesquita, Dawn Ades e Gabriel Pérez-Barreiro.
Em 2002 foi lançado o livro Daniel Senise The Piano Factory, pela Andrea Jakobsson Estúdio Editorial, com 231 páginas. Dividido em nove capítulos, oito deles com textos do crítico Agnaldo Farias e outro de autoria de Alexandre Mello, o livro analisa a obra e o fazer de Senise. .[2]
No ano de 2005 Senise voltou dos EUA para o Brasil, onde retomou seu trabalho com processos orgânicos e passa a criar uma nova série de pinturas. Algumas de suas obras foram enviadas à Galeria Brito Cimino.
A técnica utilizada nessas obras é curiosa, pois ele trabalha com “impressões em madeira”, resultado de um acidente, Daniel trabalhava em seu ateliê quando percebeu que havia derramado tinta no chão, causando um efeito interessante, desde então passou a desenvolvê-la, cobrindo diferentes assoalhos de madeira com tecidos, jogando cola e tinta por cima para recriar textura. Depois começou a recortar e rearranjar as impressões, decompondo e recompondo os feixes impressos na matéria-prima.
No ano de 2006, Senise apresentou suas obras no Museu Oscar Niemeyer. A exposição foi composta por 23 pinturas, algumas inéditas na época. Segundo o curador Agnaldo Farias, a mostra enfatizou a apresentação de obras realizadas nos últimos quatro anos (2002-2006). Organizados em três séries, esses trabalhos são apresentados no núcleo chamadoChãos. Em algumas dessas obras, o artista criou suas superfícies com tecidos e lençóis provenientes de um hospital e de um hotel. As duas séries restantes mostram pinturas históricas do artista e outras composições mais complexas, compostas pela utilização de elementos arquitetônicos.[3]
Daniel Senise é conhecido como um artista que ativa o imaginário do espectador. Ele se preocupa com o modo de percepção e construção de imagens, pensa na imagem de forma fragmentada como instrumento de significação, identificação, recuperação e conhecimento do mundo complexo pós-moderno. Atualmente faz parte do projeto Absolut Brasil, em que criou uma garrafa personalizada para a campanha Absolut Vodka.

Daniel Senise atualmente também promove um curso de História da Arte na Biblioteca Parque de Manguinhos para aqueles interessados em conhecer um pouco sobre arte.

Mais recentemente, Daniel Senise está com uma exposição na Casa França Brasil -RJ, até o dia 10 de julho de 2011

Texto extraído do Blog Varal de Idéias http://cimitan.blogspot.com/

Arte e Geometria - Parabolóide

2010-10-18T22:03:00.000-07:00

Três segmentos parabolóides, cada um com cerca de 16 metros de comprimento, feita de alumínio, instalado em uma seqüência de fluxo horizontal

Arte Holográfica...é novidade pra mim!!

2010-10-18T21:31:00.000-07:00

Confira você mesmo: http://www.zintaglio.com/

Retificando data do Curso de Fotografia com o professor Mauro Trindade - UFRJ

2010-07-22T21:48:00.000-07:00

O jornalista e professor Mauro Trindade vai ministrar no Rio de Janeiro um curso intitulado ”Uma breve história da fotografia”, onde serão abordados vários temas sobre a arte fotográfica. O curso procura analisar a fotografia de forma não-cronológica, a partir da história da arte e sua dimensão na produção contemporânea. São quatro palestras com imagens que irão abordar questões como: idéia e imagem a partir da filosofia, os pioneiros da fotografia, as relações entre fotografia e cinema, o balão, o panorama e o impressionismo, a fotografia modernista moderna e o terceiro regime da imagem. Mauro Trindade é jornalista e professor substituto da Escola de Belas Artes da UFRJ. Já trabalhou nos jornais O Globo, Jornal do Brasil e Revista Bravo. Foi professor na Pós-Graduação em Estéticas do Movimento: Estudos em Dança, Videodança e Multimídia, da Faculdade Angel Vianna. O curso, que seria nos dias 9, 16, 23 e 30 de julho de 2010, sempre das 19h às 21h,será todas as quintas 23/09, 30/09, 07/10 e 14/10 das 19h às 21h, conforme informação do professor Mauro Trindade. R$ 150. Local: Centro Cultural da Justiça Federal. Avenida Rio Branco, 241, Rio de Janeiro. Telefone: (21) 2558-9849. Mais informações: mauro_trindade@yahoo.com.br

O que é Arte?

2010-07-16T23:09:00.000-07:00

Antes de começar tratando da História da Arte, vale o questionamento: “O QUE É ARTE?” Encontramos várias descrições para tal:

É a expressão do belo. Esta definição, comum até algumas décadas, conduz a outra questão: O que é belo? Aí, a resposta se torna bem mais complicada. O que é motivo de escárnio para uns, transforma-se em emoção para outros. Arte é contradição. O artista interpreta o mundo em que vive e não pode estar alheio às mudanças da própria sociedade. Caminha com elas e até adiante delas, provocando escândalo e reações iradas dos mais conservadores. O artista não busca a unanimidade; não é um copista, é um desbravador.
Conhecimento usado para realizar determinadas habilidades ou beleza transcendente de um produto de atividade humana;
Forma de expressão subjetiva do ser humano;
Artés é um município na província de Barcelona, Catalunha, de área 17,90 km² com população de 5179 habitantes;
Capacidade de produzir livremente, pelo simples ato de criar coisas.
O primeiro problema que qualquer teoria da arte tem de enfrentar é o problema da própria definição de «arte» ou de «obra de arte». Como podemos então definir «arte»? Para saber temos de perceber antes o que é definir algo.

Há quem defenda que definir um conceito é dizer em que consiste e caso não saibamos defini-lo dessa maneira também não estamos em condições de o utilizar adequadamente. Defender isto é o mesmo que dizer que há apenas uma forma de definir conceitos, o que não é o caso. Ao contrário do que é vulgar pensar-se, não existe apenas um tipo de definições. Sabemos utilizar perfeitamente o conceito «azul» sem que, no entanto, o possamos definir dessa maneira. Não o saber definir dessa maneira não é o mesmo que o não poder definir. Para compreendermos isso é preciso distinguir dois tipos de definições: definições explícitas e definições implícitas.

Utilização classificatória e valorativa de «arte»
Retomando o problema da definição de «arte», quero desde já esclarecer que o termo «arte» ou a expressão «obra de arte» são frequentemente usados em dois sentidos diferentes: o sentido classificatório e o sentido valorativo. No primeiro destes dois sentidos não se tem em conta se uma determinada obra de arte é boa ou não, mas apenas se cai ou não debaixo da extensão do conceito de arte. Pretende-se apenas estabelecer se um certo objeto deve ser classificado como obra de arte. Ao classificarmos um veículo como automóvel nada dizemos acerca do seu valor como automóvel. Mas, às vezes, proferimos frases como «isto sim, é um automóvel», em que o significado de «automóvel» não é o mesmo que o apontado anteriormente. Estamos, neste caso, perante um exemplo da utilização valorativa de «automóvel», uma vez que com esta expressão queremos manifestar de forma positiva a nossa apreciação do veículo em causa, tal como o fazemos em relação a uma obra de arte ao afirmar «este quadro sim, é uma obra de arte». Aqui não estamos a classificá-la como obra de arte, mas a avaliá-lo como obra de arte boa. Estes dois usos são frequentemente confundidos e é imprescindível tê-los em mente quando se discutem as diferentes teorias da arte.

Definições explícitas de «arte»: as teorias essenciais
Irão ser aqui brevemente discutidas três teorias da arte essenciais. Trata-se de teorias que defendem uma idéia de arte intuitivamente partilhada por muitas pessoas, apesar das dificuldades que, como iremos ver, revelam quando são criticamente avaliadas.

Mas antes de avançar precisamos de esclarecer em que consiste uma teoria essencialista da arte. As teorias essencialistas defendem que existe uma essência de arte, ou seja, que existem propriedades essenciais comuns a todas as obras de arte e que só nas obras de arte se encontram. Ora as propriedades essenciais são diferentes das propriedades acidentais. Uma propriedade é essencial se os objectos que a exemplificam não podem deixar de a exemplificar sem que deixem de ser o que eram. Uma propriedade é acidental se, apesar de ser realmente exemplificada pelos objectos, poderia não o ser. Isso significa que as propriedades essenciais da arte são aquelas propriedades que não podem deixar de se encontrar nas obras de arte. São, portanto, exemplificadas por todas as obras de arte, reais ou meramente possíveis. Mas uma definição essencialista exige também que tais propriedades sirvam para distinguir a arte de outras coisas que não são arte. Daí que se procurem apenas identificar as propriedades essenciais que sejam particulares da arte. Por exemplo, uma propriedade essencial das obras de arte é a de terem um autor (pelo menos). Mas ter um autor não é uma propriedade individuadora da arte porque outras coisas que não são arte têm também essa propriedade essencial, como é o caso dos artigos de opinião dos jornais. Não seria por aí que iríamos identificar as obras de arte. Ora, se há propriedades comuns a todas as obras de arte e individuadoras das obras de arte, é então possível dizer quais são as suas condições necessárias e suficientes; quer dizer, é possível fornecer uma definição explícita de arte. Contudo, é preciso reconhecer que nem todas as definições explícitas são essencialistas.

Teoria da arte como imitação
Esta é uma das mais antigas teorias da arte. Foi, aliás, durante muito tempo aceita pelos próprios artistas como inquestionável. A definição que constitui a sua tese central é a seguinte:

Uma obra é arte se, e só se, é produzida pelo homem e imita algo.
A característica própria desta teoria não reside no fato de defender que uma obra de arte tem de ser produzida pelo homem, o que é comum a outras teorias, mas na idéia de que para ser arte essa obra tem de imitar algo. Daí que seja conhecida como teoria da arte como imitação.

Vários foram os filósofos que se referiram à arte como imitação. Alguns desprezavam-na por isso mesmo, como acontecia com o conhecido filósofo grego Platão que, ao considerar que as obras de arte imitavam os objetos naturais, via essas obras como imagens imperfeitas dos seus originais. Ainda por cima quando, no seu ponto de vista, os próprios objetos naturais eram por sua vez cópias de outros seres mais perfeitos. Já o seu contemporâneo Aristóteles, mantendo embora a idéia de arte como imitação, tinha uma opinião mais favorável à arte, uma vez que os objetos que a arte imita não são, segundo ele, cópias de nada.

Como características, a arte como imitação apresenta:

Oferece um critério de classificação das obras de arte bastante rigoroso, o que nos permite, aparentemente, distinguir com alguma facilidade um objeto que é uma obra de arte de outro que o não é.
Oferece um critério de valoração das obras de arte que nos possibilita distinguir facilmente as boas das más obras de arte. Neste sentido, uma obra de arte seria tão boa quanto mais se conseguisse aproximar do objeto imitado.
Apesar de ficarmos muitas vezes positivamente impressionados com a perfeição representativa de algumas obras de arte, o seu critério valorativo falha porque muitas outras obras de arte não poderiam ser consideradas boas nem más, já que não imitam nada. Mas falha ainda por haver obras que imitam algo sem que saibamos qual é esse algo que ela imita.

Teoria da arte como expressão
Insatisfeitos com a teoria da arte como imitação (ou representação), muitos filósofos e artistas românticos do século XIX propuseram uma definição de arte que procurava libertar-se das limitações da teoria anterior, ao mesmo tempo que deslocava para o artista, ou criador, a chave da compreensão da arte. Trata-se da teoria da arte como expressão. Teoria que, ainda hoje, uma enorme quantidade de pessoas aceita sem questionar. Segundo a teoria da expressão

Uma obra é arte se, e só se, exprime sentimentos e emoções do artista.
Vejamos o que parece concorrer a favor dela:

São muitos e eloquentes os testemunhos de artistas que reconhecem a importância de certas emoções sem as quais as suas obras não teriam certamente existido. Mais do que isso, se é verdade, como parece ser, que a arte provoca em nós determinadas emoções ou sentimentos, então é porque tais sentimentos e emoções existiram no seu criador e deram origem a tais obras.
Também nos oferece, como a teoria anterior, um critério que permite, com algum rigor, classificar objectos como obras de arte. Com a vantagem acrescida de classificar como arte todas as obras que não imitam nada, o que acontece frequentemente na literatura e sempre na música e na arte abstracta.
Mais uma vez oferece um critério valorativo: uma obra é tanto melhor quanto melhor conseguir exprimir os sentimentos do artista que a criou.
Mas também ela se irá revelar uma teoria insatisfatória. O primeiro ponto apresenta várias falhas. Desde logo, é também empiricamente refutado porque há obras que não exprimem qualquer emoção ou sentimento. Além disso, mesmo que uma obra de arte provoque certas emoções em nós, daí não se segue que essas emoções tenham existido no seu autor. .Tal como na definição de arte como imitação, o mesmo se passa aqui, pois acaba por não se verificar a condição necessária segundo a qual todas as obras de arte exprimem emoções.

Teoria da arte como forma significante
Verificando que a diversidade de obras de arte é bem maior do que as teorias da imitação e da expressão fariam supor, uma teoria mais elaborada, e também mais recente, conhecida como teoria da forma significante (abreviadamente referida como «teoria formalista»), decidiu abandonar a ideia de que existe uma característica que possa ser diretamente encontrada em todas as obras de arte. Esta teoria, defendida, entre outros, pelo filósofo Clive Bell, considera que não se deve começar por procurar aquilo que define uma obra de arte na própria obra, mas sim no sujeito que a aprecia. Isso não significa que não haja uma característica comum a todas as obras de arte, mas que podemos identificá-la apenas por intermédio de um tipo de emoção peculiar, a que chama emoção estética, que elas, e só elas, provocam em nós. Por esta razão a incluo nas teorias essenciais. De acordo com a teoria formalista de Clive Bell

Uma obra é arte se, e só se, provoca nas pessoas emoções estéticas.
Note-se que não se diz que as obras de arte exprimem emoções, senão estaria a defender o mesmo que a teoria da expressão, mas que provocam emoções nas pessoas, o que é bem diferente. Se a teoria da imitação estava centrada nos objetos representados e a teoria da expressão no artista criador, a teoria formalista parte do sujeito sensível que aprecia obras de arte. Digo que parte do sujeito e não que está centrada nele, caso contrário não seria coerente considerar que esta teoria é formalista.

Tendo em conta a definição dada, reparamos que a característica de provocar emoções estéticas constitui, simultaneamente, a condição necessária e suficiente para que um objeto seja uma obra de arte. Mas se essa emoção peculiar chamada «emoção estética» é provocada pelas obras de arte, e só por elas, então tem de haver alguma propriedade também ela peculiar a todas as obras de arte, que seja capaz de provocar tal emoção nas pessoas. Mas essa característica existe mesmo? Clive Bell responde que sim e diz que é a forma significante.

Frases como «Este quadro é uma verdadeira obra prima devido à excepcional harmonia das cores e ao equilíbrio da composição», ou como «Aquele livro é excelente porque está muito bem escrito e apresenta uma história bem construída apoiada em personagens convincentes e bem caracterizadas», exprimem habitualmente uma perspectiva formalista da arte.

Para já, esta teoria parece ter uma grande vantagem: pode incluir todo o tipo de obras de arte, inclusivamente obras que exemplifiquem formas de arte ainda por inventar. Desde que provoque emoções estéticas qualquer objeto é uma obra de arte, ficando assim ultrapassado o caráter restritivo das teorias anteriores.

Mas as suas dificuldades também são enormes.

Em primeiro lugar, podemos mostrar que algumas pessoas não sentem qualquer tipo de emoção perante certas obras que são consideradas arte. Quer dizer que essas obras podem ser arte para uns e não o ser para outros? Nesse caso o critério para diferenciar as obras de arte das outras de que serviria? Teríamos, então, obras de arte que não são obras de arte, o que não faz sentido. Também não é grande ideia responder que quem não sente emoções estéticas em relação a determinadas obras não é uma pessoa sensível, como sugere Bell, o que parece uma inaceitável fuga às dificuldades.
Uma outra dificuldade é conseguir explicar de maneira convincente em que consiste a tal propriedade comum a todas as obras de arte, a tal «forma significante», responsável pelas emoções estéticas que experimentamos. Clive Bell refere, pensando apenas no caso da pintura, que a forma significante reside numa certa combinação de linhas e cores. Mas que combinação é essa e que cores são essas exatamente? E em que consiste a forma significante na música, na literatura, no teatro, etc.? A idéia que fica é que a forma significante não serve para identificar nada. Não se trata verdadeiramente de uma propriedade, pois a forma significante na pintura consiste numa certa combinação de cores e linhas, mas na música, na literatura, no cinema, etc., já não podem ser as cores e linhas a exemplificar a forma significante.
Com toda essa discussão, a que conclusão podemos chegar??? O que é arte afinal??? Se pararmos pra pensar, a maior parte daquilo que podemos definir é uma abstração do invisível. Até as ciências exatas sofrem abstração, como a física por exemplo, que nada mais é do que uma abstração feitas através de cálculos e experimentos das Leis da Natureza (por exemplo, não podemos ver a Lei da Gravidade, mas podemos saber que existe por cálculos e experimentos que a comprovam. E o que dizer da Música então??? É abstrair os sons em uma pauta. Assim é a arte, uma abstração de um sentimento, de uma opinião, do que se vê e do que não se vê. E em cada momento da História da Humanidade ela soferu um tipo de abstração. O que a difere das Ciências Exatas é que ela é uma abstração não de algo que já foi criado (a natureza), mas de algo que sempre está processo de criação (a mente humana). Por isso enquanto existir humanidade, existirá arte e negar a sua importância é negar a própria existencia.

A Missão Artística Francesa e Grandjean de Montigny

2010-07-11T17:36:00.000-07:00

MISSÃO ARTÍSICA FRANCESA

Contexto Histórico

Em um momento em que a Europa vivia o conflito do Bloqueio Continental, imposto por Napoleão Bonaparte, em que estava proibido qualquer tipo de relações, sejam econômicas ou políticas, com a Inglaterra, Portugal teve que pensar rápido em solucionar tal problema. Não podia abandonar as relações que tinha com a Inglaterra, pois a ela estava entregue a defesa de seus territórios, frente ao poderio das tropas Napoleônicas. A solução encontrada foi sair da Europa, rumo à sua colônia no Brasil. O Atlântico impediria a aproximação das esquadras Napoleônicas. Dessa forma, a Família Real e sua Corte chegam ao Brasil em 1808. Primeiramente, desembarcam na Bahia e abrem nossos portos às Nações Amigas (é claro, a Família e a Corte precisavam de alguns produtos importados), logo após, a Família vem para o Rio de Janeiro. Para adaptar a cidade à posição de capital do Império Português, D. João implementa uma série de medidas – entre elas a criação de uma Academia de Belas Artes -, que visava dar ao Brasil um perfil atualizado, lançando as bases de instituições que promovessem a infra-estrutura econômica, e a fundamentação cultural, indispensável à formação de uma elite local. Para tal atualização, D. João VI contrata, em 1816, a Missão Artística Francesa, chefiada por Joachim Lebreton.

A Missão Artística Francesa no Brasil

A Missão Artística Francesa vem ao Brasil afim de criar uma grande escola de artistas não só no Brasil, mas também na América do Sul. D. João objetivava dar ao lugar onde estava, um impulso tanto em infraestrutura quanto em conhecimentos científicos e artísticos. Para isso seria necessário dar aos habitantes da terra que ele afirmava que “poderia vir a formar o mais rico e opulento dos reinos conhecidos”, o ensino das Belas Artes. Dessa forma, D. João VI assina o decreto de criação da Escola Real das Ciências, Artes e Ofícios, em 12 de agosto de 1816. A implantação dessa academia representava um avanço cultural significativo, inserindo o Brasil no mundo desenvolvido, uma vez que eram poucos os países que, na Europa, possuíam sua Academia.
Interessante é notar que, mesmo sendo inimiga da França, Portugal assinou um decreto com uma Missão Artística Francesa. Há algumas explicações para isso. Alguns historiadores afirmam que a iniciativa de trazer o grupo de artistas partiu do Marquês de Marialva, ministro de Assuntos Estrangeiros de D. João, que recebeu o conselho de um naturalista alemão, Humboldt, o qual numa expedição à Amazônia ficou fascinado pelo Brasil. Outros sinalizam a existência de uma carta de Nicolas Antoine Taunay à rainha de Portugal, na qual o aristocrata rogava-lhe o apoio, através de sua mediação junto a D. João VI, com o objetivo de serem contratados ele e seus companheiros, os quais não estavam satisfeitos com a queda de Napoleão.
A Missão Artística Francesa, chefiada por Joachim Lebreton, contava com vários artistas, das mais diferentes habilidades, entre eles: Jean-Baptiste Debret, pintor de história; Nicolas-Antoine Taunay, pintor de paisagens e batalhas; Auguste Henri Victor Grandjean de Montigny, Charles Lavasseur e Louis Ueier, arquitetos; August Marie Taunay e François Bonrepos, escultores; Charles Simon Pradier, gravador; os irmãos Marc e Zéphyrin Ferrez, o escultor e o gravador de medalhas.
O grupo da Missão Artística inaugurou no país o ensino artístico em moldes formais, em oposição ao aprendizado empírico dos séculos anteriores. Estruturada dentro do sistema acadêmico, vai fornecer um ensino apoiado de modo geral nos preceitos básicos do classicismo: a compensação da arte como representação do belo ideal; a valorização dos temas nobres, em geral de caráter exemplar, como a pintura histórica, a importância do desenho na estruturação básica da composição; a preferência por algumas técnicas, especialmente a pintura a óleo, ou de alguns materiais, sobretudo o mármore e o bronze, no caso da escultura.
Certamente estas novas idéias contrariavam a tradição colonial, restrita em grande parte à temática religiosa e ao predomínio de certos materiais como a madeira. Mas é inegável que a Academia ampliou os horizontes das artes plásticas no país, criando um novo estatuto para o artista, fornecendo-lhe uma formação técnica aprimorada e expandindo o repertório temático.
A Academia, fundada e mantida pelo Estado, logicamente atrelava a produção artística à produção de obras públicas do governo. Porém, após dez anos de decreto, a Missão ainda não tinha um prédio próprio. Coube a Grandjean de Montigny projetar o edifício que abrigaria a Escola Real. Assim, em 5 de novembro de 1826, é inaugurada por D. Pedro I, na Avenida Passos, o edifício da Escola, dando início à Academia Imperial de Belas Artes, criada por um novo decreto.
É sobre esse prédio e sobre seu arquiteto que tratara os próximos tópicos do trabalho.

GRANDJEAN DE MONTIGNY E A ACADEMIA IMPERIAL DE BELAS ARTES (PÓRTICO)

Grandjean de Montigny e seus projetos

O arquiteto Auguste-Henri-Victor Grandjean de Montigny nasceu em 1777 no aristocrático bairro de Marais, em Paris.
Na França, com apenas 23 anos, Grandjean de Montigny conquistou o Prix de Rome, maior prêmio artístico de sua época. O feito lhe valeu uma viagem de quatro anos para Roma, onde estudou a arquitetura clássica, escreveu alguns livros e fez inúmeros desenhos dos templos antigos.
De volta a Paris, com a reputação em alta, o jovem arquiteto teve seu talento reconhecido por Percier e Fontaine, principais arquitetos de seu tempo, autores dos projetos para o império de Napoleão. Foram eles que o indicaram para trabalhar na corte da Westfália, quando Napoleão conquistou o território e o deixou sob o comando de seu irmão Jerome Bonaparte. Tão logo o arquiteto concluiu seus primeiros projetos - a reforma do palácio e a criação de um jardim - Napoleão perdeu a guerra e os franceses abandonaram às pressas o local.
De volta a Paris, o ambiente lhe era hostil, como o era para todos os bonapartistas. Grandjean de Montigny recebeu, então, dois convites: um para a corte russa e outro para a corte lusa. Aceitou a segunda opção e veio para o Brasil.
Nos 24 anos que viveu no Rio de Janeiro, onde faleceu em 1850, Grandjean de Montigny trabalhou intensamente. Mas, dentre todos os projetos que criou, apenas três resistiram ao tempo: a casa que construiu para morar na Gávea, o Solar Grandjean de Montigny – hoje restaurado e transformado em centro de cultura; o pórtico principal da Academia de Belas Artes – transferido para o Jardim Botânico; e a Praça do Comércio, a atual Casa França-Brasil.
Em 2000, o Conselho Regional de Engenharia e Arquitetura do Rio de Janeiro celebrou o ano Grandjean de Montigny, em homenagem ao centésimo qüinquagésimo aniversário de sua morte. Em 2003, o Museu Nacional de Belas e a 1ª Mostra Internacional de Arquitetura no Rio de Janeiro apresentaram a exposição Grandjean de Montigny.
Parte de seus projetos e desenhos encontra-se no Museu Nacional de Belas Artes, na Biblioteca Nacional, no Museu D. João VI da Escola Nacional de Belas Artes e no Museu da Cidade.

Projetos de Grandjean de Montigny

Projetos que ainda existem atualmente:

Academia Imperial de Belas Artes (somente o pórtico)

Era formado por dois corpos laterais de um pavimento e um corpo central saliente, em dois níveis: o primeiro em cantaria e portão central de arco pleno com relevos em barro cozido nas enxutas do arco, o segundo com seis colunas de ordem jônica em granito, com bases e capitéis de bronze, encimados por frontão de granito com relevo em barro cozido representando "Febo em seu carro luminoso"
Profundamente remanejado em 1882-1883 (com a elevação de um segundo andar e o avançamento da parte central da fachada), e em 1908 (com a construção de um terceiro andar pelo Ministério da Fazenda), o prédio foi enfim demolido em 1938. O pórtico transferido para o Jardim Botânico, encontra-se hoje como ponto final da aléa das palmeiras imperiais.

Praça do Comércio, antiga Alfândega, Casa França Brasil

Iniciado em 11 de junho de 1819, o edifício foi inaugurado em 13 de maio do ano seguinte, e no mesmo dia o arquiteto foi condecorado por D. João VI Cavalheiro da Ordem de Cristo. O desenho mostra a fachada principal de um pavimento com o corpo central saliente, patamar com quatro estátuas (o Comércio, a Navegação, a Agricultura e a Indústria), platibanda lisa, frontão reto com óculo semi-circular e tímpano decorado com as armas de Portugal, Brasil e Algarves.
A Praça do Comércio foi fechada em 1824 e em seu lugar passou a funcionar a Alfândega, remodelada em 1852 por André Rebouças. Por quase um século, o prédio foi ocupado pela Alfândega, até que em 1956 nele foi instalado o II Tribunal do Júri, ali permanecendo até 1978.
A partir de 1980, começou a cogitar-se da utilização da antiga Praça do Comércio para fins culturais. Em 1984, após entendimentos entre Darcy Ribeiro e o então Ministro da Cultura da França, Jacques Lang, nasceu a idéia de transformar o antigo edifício projetado por Montigny em um espaço cultural, para difundir trabalhos artísticos brasileiros e franceses. Nascia assim a atual Casa França Brasil.
Solar de Grandjean de Montgny

Quando chegou ao Brasil, o artista e sua família optaram pelo sossego da Gávea para residirem (imagine o que seria residir na Gávea em 1816!). Montigny moraria na casa da Gávea construída por ele mesmo até sua morte, em 1850. Alguns anos depois, sua viúva, Luiza Grandjean, vendeu a propriedade, que teve então diversos donos.
Em 1838, reconhecido seu valor histórico e cultural, a casa foi tombada pelo SPHAN e, em 1957, iniciou-se sua restauração, comandada por Augusto da Silva Telles e pelo professor Paulo Santos. Em 1951, a Pontifícia Universidade Católica (PUC) comprou a propriedade, que passou a funcionar como espaço administrativo.
Em 1979, o Departamento de Artes da PUC desenvolveu um projeto junto ao SPHAN com o objetivo de dar uma melhor utilização ao prédio histórico. De acordo com este Departamento, além de ser restaurada e preservada, a Casa deveria ganhar uma função voltada à cultura.
Desta forma nasceu o Solar Grandjean de Montigny, inicialmente funcionando como Centro de Atividades Artísticas e atualmente abrigando o Centro Cultural, onde são realizados eventos culturais da PUC e exposições de arte.

Chafariz do Alto da Boa Vista

Localizado originalmente na Praça Onze de Junho, em 1940, a abertura da Avenida Presidente Vargas deu fim à tradicional praça, na região do Mangue sendo trasladado para a Praça Afonso Vizeu, no Alto da Boa Vista. O projeto foi encomendado em 1848, ao famoso arquiteto Grandjean de Montgny. No momento da construção deste chafariz, feito em cantaria, não foi respeitado o projeto original, levando a Congregação da Academia de Belas Artes, evidentemente, sensibilizada pelo falecimento de seu Mestre, a lavrar, em 22.10.1850, um protesto contra a Inspetoria das Obras Públicas.

Outros Projetos:

1820 - Projeto de remodelação do centro do Rio de Janeiro (não executado). Previa a implantação de um eixo monumental que ligaria o cais e o Palácio Imperial;

1825/1826 - Projeto para o novo Palácio Imperial do Rio de Janeiro, que não foi construído;

1827 - Projeto da Praça Monumental do Campo de Santana, Rio de Janeiro (não construída);
1834/1841 - Constrói o Mercado do Peixe no Rio de Janeiro (demolido em 1903);

1841 - Projeta a adaptação do Seminário de São Joaquim como Colégio Pedro II ;
1844 - Projeto do chafariz em comemoração à chegada da imperatriz Teresa Cristina (demolido por volta dos anos quarenta);
1848 – Projeto do Senado do Império (não foi construído).

Alunos da UFRJ. Saibam o que é o programa Mobilidade Acadêmica

2010-07-07T15:37:00.000-07:00

MOBILIDADE ACADÊMICA
O QUE É E COMO PARTICIPAR

COMO É:

O convênio de Mobilidade Acadêmica da ANDIFES é um convênio entre algumas Instituições Federais de Ensino Superior.
Este convênio alcança tão somente alunos regularmente matriculados em cursos de graduação nas Instituições Federais de Ensino Superior brasileiras participantes do convênio que tenham integralizado todas as disciplinas previstas para o primeiro ano ou 1º e 2º semestres letivos do curso, na Instituição de origem (remetente), e possuam , no máximo, uma (01) reprovação por período letivo (ano ou semestre).
Este convênio não se aplica a pedidos de transferência de alunos entre as Instituições Federais de Ensino Superior. Pedidos de transferência são enquadrados em normas específicas.
O aluno participante deste Convênio terá vínculo temporário com a Instituição receptora, dependendo, para isto, da existência de disponibilidade de vaga e das possibilidades de inscrição na(s) disciplina(s) pretendida(s).
O mesmo aluno não poderá se afastar da Instituição de origem, sob o amparo do convênio, por prazo superior a um (01) ano letivo. Em caráter excepcional, a critério da Instituição receptora, poderá haver renovação, sucessiva ou intercalada, do vínculo temporário, por até mais um período letivo, perfazendo o total de 1 ano e meio.

Procedimento.
- O coordenador do curso analisará a (o)(s) ementas/programas da(s) disciplina(s) a ser(em) cursada(s) pelo seu aluno na Instituição receptora, de modo a subsidiar a posterior e obrigatória concessão de equivalência, em caso de aprovação do aluno;
- Constatada a possibilidade do afastamento, o coordenador do curso emitirá memorando ao coordenador de Mobilidade Acadêmica da IFES, que enviará ofício de apresentação do aluno interessado ao Coordenador de Mobilidade Acadêmica da Instituição receptora.
- Ao final da permanência do aluno com vínculo temporário na Instituição receptora, ela cancelará sua matrícula e emitirá) certificado comprobatório da(s) disciplina(s) cursada(s) pelo aluno, com notas, freqüência e resultados finais obtidos, enviando para a Instituição de origem.

COMO PARTICIPAR:

Prazos para solicitação de Mobilidade Acadêmica
1º semestre letivo:
até 30 de outubro do ano anterior.
2º semestre letivo:
até 30 de abril do ano corrente.

As datas para recebimento ( protocolamento ) das solicitações pelas Instituições de destino ( receptoras ) para análise para ingresso no semestre letivo subsequente, ficaram definidas para 30 de abril ( 2º semestre ) e 30 de outubro ( 1º semestre do ano seguinte ).
A IFES receptora deverá analisar o pedido e conceder o deferimento ou indeferimento no prazo de até 45 dias após as datas limites estabelecidas, ou seja, respectivamente, até 15 de junho e 15 de dezembro.
Entende-se por solicitação protocolada junto à receptora aquela devidamente instruída pelo interessado, ou seja, já contendo:
- Carta de apresentação da Instituição de origem ( remetente );
- Histórico ou boletim escolar completo e atualizado do aluno e que atenda às condições para participação do Convênio;
- Plano de estudo préaprovado pelas Instituições envolvidas ( remetente e receptora );
- 1 cópia dos seguintes documentos: identidade, CPF, título de eleitor, certificado de reservista;
- Comprovante de endereço de residência no local da Mobilidade.

IFES PARTICIPANTES DO CONVÊNIO
CEFET MA
CEFET MG
FURG – Fundação Universidade do Rio Grande
UFAC – Universidade Federal do Acre
UFAL – Universidade Federal de Alagoas
UFAM – Universidade Federal do Amazonas
UFBA – Universidade Federal da Bahia
UFC – Universidade Federal do Ceará
UFCG – Universidade Federal de Campina Grande
UFERSA – Universidade Federal Rural do Semi-Árido
UFES – Universidade Federal do Espírito Santo
UFF – Universidade Federal Fluminense
UFG – Universidade Federal de Goiás
UFGD – Universidade Federal da Grande Dourados
UFJF – Universidade Federal de Juiz de Fora
UFLA – Universidade Federal de Lavras
UFMA – Universidade Federal do Maranhão
UFMG – Universidade Federal de Minas Gerais
UFMS – Universidade Federal do Mato Grosso do Sul
UFMT – Universidade Federal do Mato Grosso
UFOP – Universidade Federal de Ouro Preto
UFPA – Universidade Federal do Pará
UFPB – Universidade Federal da Paraíba
UFPE – Universidade Federal de Pernambuco
UFPel – Universidade Federal de Pelotas
UFPI – Universidade Federal do Piauí
UFPR – Universidade Federal do Paraná
UFRA – Universidade Rural da Amazônia
UFRB – Universidade Federal do Recôncavo da Bahia
UFRGS – Universidade Federal do Rio Grande do Sul
UFRJ – Universidade Federal do Rio de Janeiro
UFRN – Universidade Federal do Rio Grande do Norte
UFRPE – Universidade Federal Rural de Pernambuco
UFRR – Universidade Federal de Roraima
UFRRJ – Universidade Federal Rural do Rio de Janeiro
UFS – Universidade Federal de Sergipe
UFSC – Universidade Federal de Santa Catarina
UFSCar – Universidade Federal de São Carlos
UFSJ – Universidade Federal de São João Del Rei
UFSM – Universidade Federal de Santa Maria
UFT – Universidade Federal de Tocantins
UFTM – Universidade Federal do Triângulo Mineiro
UFU – Universidade Federal de Uberlândia
UFV – Universidade Federal de Viçosa
UFVJM – Universidade Federal dos Vales de Jequitinhonha e Mucuri
UnB – Universidade de Brasília
UNIFAL – Universidade Federal de Alfenas
UNIFEI – Universidade Federal de Itajubá
UNIFESP – Universidade Federal de São Paulo
UNIR – Universidade de Rondônia
UNIRIO – Universidade Federal do Estado do Rio de Janeiro
UNIVASF – Universidade Federal do Vale do São Francisco
UTFPR – Universidade Tecnológica Federal do Paraná

Escolas Públicas de Pernambuco dão o exemplo: alunos tem aulas de restauração

2010-07-07T15:01:00.000-07:00

Alunos de escolas públicas de PE aprendem a restaurar patrimônios
Curso de 420 horas atendeu estudantes moradores de áreas violentas.
Participantes acompanharam restauração de basílica no Recife.
Do G1, em São Paulo
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Alunos aprenderam técnicas de pintura durante o
curso (Foto: Val Lima/Divulgação Fundarpe)
Trinta alunos de escolas públicas moradores de Olinda, Paulista, Recife e Jaboatão dos Guararapes, em Pernambuco, participaram de um curso sobre preservação de patrimônios culturais e históricos. O projeto, chamado de Preservando Culturas, habilitou os jovens, com idades entre 16 e 24 anos, a atuarem como restauradores.
A capacitação de 420 horas foi iniciada em fevereiro. As atividades serão concluídas na próxima sexta-feira (9), na Basílica Nossa Senhora Penha, no Recife, tombada recentemente, que serviu de local para as aulas.
A seleção dos adolescentes foi feita levando em consideração três critérios: estar matriculado na rede pública de ensino; não ter renda fixa; e ser morador de áreas com alto índice de violência. Outro critério avaliado, através de uma dinâmica realizada pela coordenação do projeto, foi a paciência dos adolescentes, condição básica para o exercício da função de restaurador.
Os alunos que participaram da capacitação foram beneficiados com uma bolsa de R$ 100, alimentação diária, passagem, fardamento e material didático.

Aulas foram realizadas na Basílica de Nossa Senhora da Penha (Foto: Val Lima/Divulgação Fundarpe)
Além de aulas teóricas de português, de história da arte e sobre a cultura pernambucana, os adolescentes tiveram noções práticas da profissão de restaurar. Entre as técnicas trabalhadas, os alunos aprenderam a a aplicação de folhas de ouro, técnicas de pintura, tipos de tinta, execução de restauro de marmorino, entre outras.
saiba mais
Universidade de Taubaté reabre prédio histórico restaurado
O grupo também visitou centros históricos de Pernambuco e acompanhou a restauração da Basílica de Nossa Senhora da Penha, no Recife.
O projeto Preservando Culturas integra uma das linhas de ações do programa Células Culturais desenvolvido pela Fundação do Patrimônio Histórico de Pernambuco (Fundarpe). O curso recebeu apoio do Ministério da Cultura e foi executado pelo Centro de Estudos Avançados da Conservação Integrada (Ceci) por meio de parcerias com as prefeituras de Olinda, Jaboatão, Recife e Paulista e da Associação Nacional de Desenvolvimento Humano e Social (Andhus).

Veja em G1.com : http://g1.globo.com/vestibular-e-educacao/noticia/2010/07/alunos-de-escolas-publicas-de-pe-aprendem-restaurar-patrimonios.html

Saiu no Twitter G1! Salário dos professores vai aumentar! Finalmente!

2010-07-07T14:53:00.000-07:00

07/07/2010 18h15 - Atualizado em 07/07/2010 18h15
Senado aprova regulamentação do piso nacional para professores
Relatora diz que valor mínimo deve subir para R$ 1.024.
Projeto segue para nova votação na Câmara dos Deputados.
Eduardo Bresciani
Do G1, em Brasília
imprimir
O Senado aprovou nesta quarta-feira (7) a regulamentação do piso nacional para professores, que prevê a correção anual com base no Índice Nacional de Preços ao Consumidor (INPC). A proposta vai retornar para análise da Câmara dos Deputados. O piso, no entanto, já havia sido aprovado pelo Congresso e está em vigor.
Segundo a relatora, Ideli Salvatti (PT-SC), o valor mínimo a ser pago para todos os professores do país será de de R$ 1.024. O reajuste acontecerá todos os anos.
Ideli disse que o texto do Senado recebeu uma alteração vinculando o reajuste também ao custo por aluno dentro do Fundo Nacional de Desenvolvimento para a Educação Básica (Fundeb). O texto estabelece que o mínimo será o INPC e caso o valor do custo aluno suba em um ritmo maior este percentual será o acatado.

Largo da Carioca e Morro de Santo Antônio - História

2010-07-05T12:35:00.000-07:00

HISTÓRIA DO LOCAL : LARGO DA CARIOCA, RIO DE JANEIRO, BRASIL

Nos tempos primitivos da cidade, uma lagoa, que depois veio a ser chamada de Santo Antônio, era um lugar afastado, onde vinham banhar-se os índios mansos e também vinham beber água, bois do curral de D. Antônio Marins, que morava no Morro do Castelo. Neste local afastado foi instalado, por Felipe Fernandes, um cortume, tendo sido ele o seu primeiro morador.
A história deste local está intimamente ligada ao Convento de Santo Antônio. O Convento teve sua origem em uma pequena ermida, que ficava às margens da lagoa, que foi ocupada em 1592, pelos freis franciscanos: Frei Antônio dos Mártires e Frei Antônio Chagas. No entanto, sua construção só foi iniciada em junho de 1608 sob a presidência de Frei Vicente do Salvador e em 1615 foi inaugurada uma parte do convento e a Igreja de Santo Antônio, onde foi rezada a primeira missa no dia 8 de fevereiro. Sua sacristia, de 1714, é uma das mais belas da cidade, possuindo pinturas no teto, painéis de azulejaria e os pisos de mármore com desenhos geométricos. Para drenar a lagoa, os religiosos franciscanos, abriram uma vala, transformando o banhado da Lagoa de Santo Antônio, num trajeto da vala, que deu origem à Rua da Vala, atual Uruguaiana.
Em 1723 foi inaugurado no local o primeiro chafariz da Carioca, depois substituído por outro, construído em 1750, depois de drenada e aterrada a lagoa. Ambos eram abastecidos pelo Aquedutos que vinham do Morro de Santa Teresa, o segundo pelos Arcos da Lapa. O chafariz foi que deu o nome do Largo.
Em 1834 foi iniciada a construção de um novo Chafariz no mesmo local, sendo deste as imagens que geralmente aparecem nas pinturas e poesias do Largo. Este Chafariz foi concluído por volta de 1848, tendo sido projetado pelo arquiteto Grandjean de Montigny (conhecido como “trambolhão”) e foi demolido em 1925, quando era Prefeito da cidade, Alaor Prata.
Em 1748, foi iniciada a construção do Hospital da Venerável Ordem Terceira de São Francisco da Penitência, que foi inaugurado em 1763 e que permaneceu no local por um século e meio, só tendo sido demolido na remodelação da cidade feita por Pereira Passos, no início do século XX, quando foi transferido para a Rua Conde de Bonfim, na Tijuca, onde se encontra até hoje.
Nos anos 50, uma parte do Morro de Santo Antônio foi demolida (sendo totalmente demolido após 20 anos) para que fosse feito o Aterro do Flamengo, mas a parte onde estava localizado o Convento e as Igrejas foi preservado. Com a demolição foram abertas as Av. República do Chile e República do Paraguai.

2010-07-05T12:32:00.000-07:00

Legoart

2010-02-02T10:13:00.000-08:00

Diferença entre Lato Sensu e Stricto Sensu

2010-02-02T09:42:00.000-08:00

Qual a diferença entre pós-graduação lato sensu e stricto sensu?

As pós-graduações lato sensu compreendem programas de especialização e incluem os cursos designados como MBA - Master Business. Com duração mínima de 360 horas e ao final do curso o aluno obterá certificado e não diploma, ademais são abertos a candidatos diplomados em cursos superiores e que atendam às exigências das instituições de ensino - art. 44, III, Lei nº 9.394/1996.

As pós-graduações stricto sensu compreendem programas de mestrado e doutorado abertos a candidatos diplomados em cursos superiores de graduação e que atendam às exigências das instituições de ensino e ao edital de seleção dos alunos.( art. 44, III, Lei nº 9.394/1996. ) Ao final do curso o aluno obterá diploma.

Fonte: MEC http://portal.mec.gov.br

Moda e música na passarela

2009-10-05T17:25:00.000-07:00

Vai acontecer, pela 1ª vez no Brasil o evento que reuni desfile de moda e shows musicais. É o Fashion Rock Brasil, patrocinado pela Oi e que será no Jockey Club do Rio de Janeiro. O Fashion Rock vai ser no dia 24/10/09 (sábado) e contará com a presença das grifes: Marc Jacobs, Riccardo Tisci (da Givenchy), Donatella Versace e a Calvin Klein Collection. André Lima, Alexandre Herchcovitch, Lino Villaventura e Lenny Niemeyer (todos orgulho da terrinha) também irão desfilar. Entre os músicos confirmados: Mariah Carey, Pharrell Williams & N*E*R*D e Wanessa (a ex-Camargo) & Ja Rule. Para mais informações entre no site: http://www.oifashionrocks.com.br/

Anaformismo nas Ruas

2009-09-27T20:06:00.000-07:00

Edgar Müller é um artista alemão conhecido por fazer pinturas em três dimensões nas ruas, utilizando a técnica da anaformia de Leonardo da Vinci e Micehlângelo. Em agosto do ano passado ele pintou um iceberg no Festival de Cultura Mundial realizado em Dun Laoghaire, na Irlanda. A pintura só ficou pronta depois de cinco dias de trabalho e ocupa uma área de 250 metros quadrados (o equivalente a dois apartamentos grandes). O resultado é muito interessante. No site do artista há outros exemplos de seu trabalho.

A criatividade da Arte Brasileira

2009-09-14T20:49:00.001-07:00

Criada pelos artistas brasileiros Anderson Augusto e Leonardo Delafuente, essa pintura divertida em bueiros se tornou uma das principais atrações para os turistas que passam pelas ruas de São Paulo.

Composição por Justaposição

2009-09-14T20:46:00.000-07:00

De longe, ou à primeira vista, o trabalho do artista francês Bernard Pras pode parecer uma pintura qualquer. Mas olhando-se bem de perto percebe-se que as imagens são compostas pela colagem de vários objetos do dia-a-dia.

A Arte Urbana de Bansk

2009-09-14T20:43:00.001-07:00

O inglês Banksy começou a pichar muros aos 14 anos. Aos 18 quase foi pego enquanto grafitava um vagão de trem. Ele criou para si mesmo a imagem de um artista antiguerra, contrário ao sistema capitalista. Sua arte guerrilheira aparece nos muros, capas de CDs, lascas de pedras e até mesmo em telas de pintura. Mas o caráter marginal de seu trabalho não exclui mostras em galerias de luxo e obras compradas por celebridades. O grafite de uma menina abraçando um míssil é um de seus trabalhos mais conhecidos. Sua arte é muito valorizada. Seu recorde de preço, US$ 576 mil (R$ 1,17 milhão), foi alcançado há duas semanas em um leilão. Bansk não se limitou apenas aos muros ingleses, seus grafites também foram para no muro que separa Israel da Cisjordânia, porém os mesmos não podem ser mais vistos porque foram apagados.

A HISTÓRIA DO LIVRO

2009-03-16T14:14:00.000-07:00

A HISTÓRIA DO LIVRO
da Antiguidade a Idade Média

“Uma história que não cabe em um livro!”

Desde os primórdios de sua história, o livro teve vários nomes, formatos e rótulos: de objeto, artigo de luxo à inimigo da sociedade (durante principalmente a Inquisição).
Assim que surgiu a escrita, criou-se a necessidade da existência de um suporte, onde se poderia registrar graficamente uma informação. Dessa forma, os sumérios, precursores da escrita, utilizaram da argila (material abundante na mesopotâmia) para suporte da escrita que criaram, chamada cuneiforme. A partir daí, buscando formas mais eficazes para registrar a escrita, surgiram os papiros. Os papiros eram muito mais vantajosos que a argila, pois não quebravam, eram mais leves, mais maleáveis e podiam ser transportados em rolos. Foram difundidos do Egito até o Oriente e o Mediterrâneo. Uma das civilizações que adotou o papiro foi a civilização romana. Para se confeccionar um rolo de papiro (chamado pelos romanos de Volumen, daí o vocabulário volume), enrolava-se o papiro entorno de um pedaço de madeira ou osso de marfim. Assim surgia a primeira forma de livro, cujo nome deriva da palavra liber, tipo de película encontrada sobre a casca de árvore, que constituía um tipo mais antigo e material para escrever.
O aparecimento dos papiros além de propiciar um avanço no suporte da escrita, proporcionou também o crescimento e propagação de conhecimento. O número de bibliotecas públicas cresceu, e em 370 d.C, durante o Império Romano, havia 28 bibliotecas públicas em Roma. Essas bibliotecas eram divididas em duas seções: a grega e a latina. O acesso a leitura estimulou a produção comercial de livros, criando as livrarias. Como ainda não existia a imprensa, a circulação de livros em várias tiragens dependia do trabalho dos copistas. Cada autor mandava executar várias cópias de suas obras junto a editores que possuíam oficinas de copiadores. Esse autor poderia confiar a reprodução de seu livro a mais de um editor, que poderia acrescentar e modificar o original. No momento de comercializar os livros, os comerciantes vendiam as cópias muito caro e lucravam, pois não pagavam direitos autorais e compravam os livros antes do autor ficar famoso. Devido a seu alto custo, possuir livros significava sinônimo de supremacia e ostentação. Acompanhando o exemplo imperial, os cidadãos particulares mais abastados adaptavam um cômodo de sua residência para que servisse de sala de leitura, denominada auditorium. Àqueles que não podiam ter sua biblioteca particular, restavam duas opções: exibia seus poucos exemplares lendo em locais públicos ou assistiam à uma apresentação de leitura pública de livros, usada pelos autores como forma de divulgação de seus livros. Durante essas leitura públicas porém, a estrutura do livro (volumen) em rolos de papiro, dificultava a apreciação de vários trechos de uma só vez e impedia que se fizessem anotações (pois as duas mãos ficavam ocupadas segurando o rolo de papiro). Para facilitar essa leitura, foi criado, entre os séculos II e IV d.C o códice, um novo formato em que as folhas (não mais de papiro e sim de pergaminho -couro- que eram mais resistentes, flexíveis e se podiam dobrar - porém eram mais caras pois sua fabricação era mais demorada) eram dobradas em cadernos, que eram unidos uns aos outros. Dessa forma, surgia o livro, tal qual conhecemos hoje.
O surgimento do livro, assim como encontrou simpatizantes, encontrou rivais. Nos primeiros passos de sua história, apareceram várias tentativas de criar obstáculos à sua difusão: os romanos usavam o instrumento de censura para impedir que conteúdos ameaçassem o poder instituído, algo que se repetiria também na Idade Média, no período de Inquisição, no qual o livro em forma de códice foi fundamental para que se pudesse escondê-lo e não fosse queimado. Com essa opressão da Igreja à leitura de livros e com as invasões bárbaras na Idade Média, que acabaram por destruir várias bibliotecas, observou-se uma ampliação no número de analfabetos. Os poucos livros que existiam provinham de oficinas de escribas que tornaram a profissão livreira em cristã.

A arte rebaixada mais uma vez

2009-03-07T15:26:00.000-08:00

Um golpe na classe artística (pelas costas)

Folha de S. Paulo
Segunda-feira, 2 de março de 2009

CULTURA
Júlio Medaglia e Paulo Pélico
Um golpe na classe artística (pelas costas)

"COMO se sabe, a atual crise econômica vem vitimando impiedosamente empresas em todo o mundo, das maiores organizações às mais modestas. Imagine, nessa situação, como está a vida do produtor cultural, esse idealista que sai à rua com um projeto teatral, editorial ou musical debaixo do braço em busca de patrocínio -aliás, o primeiro a ser cortado ao se vislumbrar a mais tênue ou a mais longínqua nuvem negra no universo mercadológico.

Apesar do tido como baixo ‘valor de mercado’ de nossa produção intelectual, o presidente Lula, ao mesmo tempo em que disponibiliza R$ 250 bilhões em pacotões anticrise com socorro financeiro a bancos, desoneração fiscal às exportações, estímulos à indústria automobilística etc., penaliza a classe artística ao sancionar a lei complementar nº 128/2008, também subscrita pelos ministros Guido Mantega e Miguel Jorge. A nova lei trocou sutilmente as atividades culturais de lugar (do anexo 4º para o 5º). Assim sendo, a faixa das alíquotas incidentes sobre pequenas empresas produtoras de cultura foi substituída por outra cujas alíquotas chegam a quase triplicar os impostos do setor.

Com o excessivo peso dos impostos, os microempresários da cultura haviam recebido com alívio a notícia do projeto de lei do Simples Nacional, uma nova modalidade de tributação que prometia uma redução de até 40% na carga tributária, estabelecendo os impostos ao redor de 9%. Milhares de microempresas culturais -após fazerem essa opção contábil, assumirem compromissos e pautarem suas atividades em razão dessa nova realidade- se viram subitamente presas numa armadilha, com uma carga tributária de até 27,9%.

Isso coloca as microempresas da cultura numa faixa de semelhante à de uma média ou à de uma grande empresa. E o mais espantoso desse fato é que essas mudanças ocorreram sem a menor transparência e sem debate nem comunicados prévios aos atingidos pela alteração. Os artistas e produtores tomaram conhecimento do assunto no início deste ano, já diante do fato consumado. Não sabemos como classificar a atitude do presidente e dos congressistas, se de esperteza ou de má-fé. O caso é que a lei foi aprovada às pressas no dia 19 de dezembro, uma sexta-feira, último dia do calendário legislativo, de forma quase secreta, a ponto de tributaristas próximos ao governo e que participaram da elaboração do projeto do Supersimples desconhecerem a existência da matéria. Era proposital a aprovação na antevéspera do Natal e com as tramitações envolvidas em segredo. Como se sabe, no caso dos impostos, qualquer lei que altere suas regras, quando aprovada, só entra em vigor no ano seguinte. Trata-se não só de uma proteção do contribuinte diante da volúpia arrecadadora do erário mas também de um direito constitucional, presente na legislação tributária de todos os países. Se o projeto tivesse sido exposto publicamente, certamente teria provocado reações, debates e envolveria algum tempo. Assim, se aprovado fosse, só entraria em vigor em 2010.

Pelo visto, a Fazenda tinha pressa, optando pelo silêncio, pela malícia, por um artifício legislativo sub-reptício para presentear, qual macabro papai-noel, a in-telligentsia brasileira com um rombo em seus já minguados recursos de produção cultural. Claro está que tal carga de impostos é desproporcional à atividade de produção cultural, o que empurrará grande parte do setor para a informalidade. Dificultará também a geração de empregos na área, enquanto as proporções dessa nova arrecadação em nada contribuirão para o crescimento do país.

Ao contrário, dificultarão e diminuirão as possibilidades de captação de recursos para os microempresários culturais, sonhadores de um Brasil mais culto e civilizado. Aliás, os métodos utilizados pelo Ministério da Fazenda revelam nítidos vestígios medievais, época na qual os aumentos de impostos eram comunicados sem escrúpulos aos aldeões, intimidados que eram pelos ruídos das patas dos cavalos da guarda montada do senhor feudal.

Precisamos reagir, com todos os meios de que dispõem os operadores e os produtores culturais, de forma que a sociedade venha a tomar conhecimento desse descalabro. Como se isso não bastasse, o governo federal acaba de bloquear 78% do orçamento do Ministério da Cultura para este ano. Gostaríamos de saber o que querem dizer esses fatos. Filmes semelhantes já vimos em outros países e épocas. Como se sabe, eles não fizeram sucesso ao longo da história...

JÚLIO MEDAGLIA , regente sinfônico formado pela Escola Superior de Música da Universidade de Freiburg (Alemanha), foi diretor dos Teatros Municipais do Rio de Janeiro e de São Paulo, do Centro Cultural São Paulo e da Universidade Livre de Música. É autor do arranjo original da música ‘Tropicália’, que deu origem ao movimento.
PAULO PÉLICO , 52, é autor e produtor teatral

Um desabafo a instituição UFRJ

2009-03-07T15:12:00.000-08:00

De: Carina Ribeiro Parreira [ninicaparreira@hotmail.com]Enviado: terça-feira, 3 de março de 2009 1:24Para: ouvidoria@ufrj.brAssunto: Descaso com a EBA

Prezados senhores da ouvidoria: Sou aluna da EBA e a cada ano tenho me sentido mais insatisfeita com o tratamento, por parte da instituição, aos alunos. Acho que a instituição, que se diz de ensino público, deveria fazer jus a essa denominação. Digo isso em relação a atitude discriminatória para com os alunos da EBA, que são julgados como indolentes. Bem, se nós recebessemos algum estímulo, mesmo que mínimo da instituição, no que diz respeito a salas confortáveis, organização das salas, dos quadros de horários e disciplinas, um bom funcionamento dos elevadores e principalmente que tivéssemos aula no dia em se iniciam (como ocorre com os alunos do CT, por exemplo), essa visão preconceituosa mudaria. O que mais me deixa indignada é ter que ir a faculdade, convicta de que certamente haverá aula na 1ª semana e receber a informação de que somente na semana seguinte começam as aulas. Isso é inaceitável, pois o minímo que se espera é que nós alunos sejamos avisados de antecedência, evitando assim o nosso desperdício no deslocamento, que causa prejuízos e perda de tempo. Merecemos o mínimo de consideração, ou a instituição já se esqueceu de como surgiu, com a Escola de Belas Artes, trazida por D. João VI????Ironia não??? É conhecida nacionalmente como a instituição referência nessa área, mas o centro de artes é o mais abandonado (em todos os sentidos) da instituição...Espero que os senhores dêem a devida importância a esse assunto, que não é só queixa individual, mas de todos os alunos, (e até de alguns professores que cumprem seu papel) da EBA.Aguardo resposta e se esta não vier só irá reforçar e comprovar o descaso da instituição com a EBA.Grata desde já: uma discente.

O que é ser missionário

2009-02-17T08:11:00.000-08:00

O que é ser Missionário

Ser missionário é:
Ser soldado de um exército pequeno,
mas cujo líder não há maior
A sua arma é a palavra
E seu escudo é a fé
Os seus lemas são: confiança e obediência
em qualquer circunstância
A sua bandeira é a salvação
Jesus é sua inspiração
A garantia é a presença
do Senhor todo dia
O combustível, a saudade
O sustento é a colaboração
A força é a oração do irmão
A fraqueza é o desânimo
O inimigo é o pessimismo
O aliado, o otimismo
O objetivo é não esmorecer
O mérito é engrandecer
o nome de seu líder
A recompensa é ensinar e aprender
A certeza é a Vitória
A derrota; não há, pois nunca
é vão pregar
a palavra de Deus
a quem nunca o conheceu.

Por Carina Ribeiro Parreira
Inspirado por: Deus

Os sapatos lançados (inspirado na Poesia Visual com Sapatos, de J.T PARREIRA e no poema de Brissos Lino, Os sapatos do desprezo)

2009-02-16T20:48:00.000-08:00

Dos sapatos
Dois lançados
Nenhum atingiu
O presidente renomado
O alvo mirado
Não foi acertado
Embora o jogador
Tivesse treinado
Em sua mente otimista
O plano calculado
A mira logo a frente
O "grande" presidente
Em cima do "palco"
Aplauso era seu alvo
Que comece o espetáculo
Mas este não sabia
Que na platéia que o assistia
Havia um "armado"
E desta ameaça
Ele não fora avisado
De repente, como um raio
Surge o 1º sapato
Do qual o presidente
Havia escapado
Então intuitivamente
Sabendo que dois pés
Tinha o descontente
Novamente, o presidente
Se esquiva do 2º sapato
Iminente
E deste ato inusitado
O presidente declara somente
Que 42 era o tamanho do sapato.

Por Carina Ribeiro Parreira

A História Antiga X A Campanha Eleitoral e a Sociedade Atual

2008-09-28T10:25:00.000-07:00

Poucas são as escolas que ministram, em sua grade curricular, disciplinas como a Pré-História (que se estende da origem da humanidade até o desenvolvimento da escrita, por volta de 3500 a.C) e a História Antiga (do desenvolvimento da escrita até a desagregação do Império Romano do Ocidente, em 476 d. C). Aqui no Blogadão, vc, que assim como eu não teve acesso a essas disciplinas na escola, vai ter a oportunidade de conhecer esse mundo tão desconhecido, mas também de suma importância para a compreensão da formação e da estrutura de nossa sociedade atual. Você acha que isso não tem nenhuma importância? Vou te dar uma razão pra mudar de idéia: vc com certeza já ouviu dizer que foram os gregos que criaram a democracia, certo? Sim! E vc deve se perguntar, por que a sociedade atual (principalmente a brasileira) não consegue instaurar uma democracia plena igual a dos gregos??? Respondo, já conseguiu! Vc pergunta: como? Se vc soubesse História Antiga, não faria a si mesmo essa pergunta, sabe pq? Porque, digo: nem os gregos, criadores da democracia conseguiram instaurar uma democracia plena, em que todos os cidadãos teriam os mesmos direitos. Mesmo lá na Grécia Antiga as mulheres, escravos e estrangeiros (chamados pelos gregos de metecos) não podiam votar.
Então, se nem os próprios criadores da democracia conseguiram cumprir plenamente com seu ideal democrático, imagine nós, que somos meros "copiadores". É certo que hoje não há mais escravidão e as mulheres podem votar (graças a Constituição de 1937), mas o que vc me diz dos estrangeiros? Estrangeiros não podem votar, assim como lá na Grécia Antiga. Isso é aceitável, pois como um indivíduo que não conhece os problemas de nossa nação vai poder opinar nas propostas dos candidatos que supostamente têm a solução? Mas e quanto aos escravos, pensamos que não existem mais, porém inconscientemente sabemos que sim. E no âmbito político, podemos observar isso: quantas pessoas, que não tiveram acesso à instrução (inclusive a aprendizado da História Antiga) são dominadas a fazer a vontade do capitão (candidatos corruptos) e são obrigadas (conscientemente ou não) a dar seu voto para eles...
Isso não seria escravidão? Sim é! Pois o indivíduo deve ter a liberdade de escolha do seu candidato e não ser obrigado, através de chantagens [ou presentinhos], a votar em um. Tá aí, igual à sociedade grega antiga... os “escravos” de hoje não têm liberdade na hora de votar. Então, caro leitor, vc concorda que se esses indivíduos tivessem aprendido essas disciplinas lá na escola (muitos nem acesso a escola tiveram ou tem) não teriam a consciência de que os estão fazendo de “escravos” igual lá na Grécia Antiga? Claro que sim! Então, como mudar isso??? Vc pergunta...
ah, o Governo tem que mudar isso, tem que dar educação a essas pessoas! Digo a vc: pode esperar sentado! Vc, caro e inocente leitor, acha que o Governo vai fazer isso??? Claro que não! Sabe porque??? Porque isso pra eles não seria conveniente. O que pra eles é conveniente
é que essas pessoas continuem sem instrução, pra que eles possam se manter, através dos votos desses “escravos”, no seu “troninho” se abastecendo e sugando nosso dinheirinho suado.
Daí vc se pergunta... como mudar isso então??? Eu respondo: não vai ser Governo nenhum que vai mudar... só vc mesmo pode! A mudança só acontece a partir de nós mesmos, pq se não conseguimos mudar a nós mesmos, como vamos mudar uma sociedade? Se cada uma dessas pessoas que são feitas de “escravos” mudarem a sua situação de “escravos”, aí sim, o conjunto somado vai ser capaz de mudar essa sociedade. E é pra isso que decidi criar esse Blog, para alertar as pessoas de que a EDUCAÇÃO é primordial para essa mudança e de que é preciso lermos mais, aprendermos aquilo que não vimos na escola por nós mesmos, não esperar que os outros tentem mudar a situação... Cada um, por si mesmo, deve começar a mudança em si próprio!
Feito esse alerta, vc caro leitor q se convenceu de q a Pré-História e a História Antiga são importantes, pode se tornar um Blogadão aqui no Blogadão e ter acesso a essa parte tão importante da História da Humanidade para entender assim, todos os porquês da situação da nossa História Atual!

Introd - Inauguração

2008-09-27T10:15:00.000-07:00

Esse blog não será como os comuns, por que criar um se já existem milhares??? Por isso quero criar
um blog com um diferencial, não um diário virtual que conta um monte de historinhas, mas um blog cultural, pra aqueles que se interessam em coisas instrutivas e pra aqueles que buscam isso em um blog, mas não encontram. Ah e se vc que acessar esse blog tiver alguma sugestão, também pode dar...é esse o objetivo! Aqui é pra quem tem algo de criativo e interessante, que quer expor sua opinião de forma culta! É isso que falta nos jovens brasileiros, muito senso crítico e visão ampla de mundo...não é só usar a internet pra jogar conversa fora em msn e orkut (claro q isso não é mau se não for de forma exagerada), mas para o aprendizado, a leitura e obtenção de conhecimento! Por que se vc tem a oportunidade de conhecer o Mundo como um todo através da internet e de graça, pra que ficar num mundinho limitado entre msn e orkut??? Convoco todos os jovens que tiverem força de expressão a soltar a "voz" e fazer com q o mundo (até de forma literal) conheça sua opinião (principalmente os tímidos como eu que preferem escrever do que falar). Adolescentes, jovens, universitários (principalmente das universidades públicas, como UFRJ e se for da área de arte, pode soltar o verbo!), vamos nos colocar diante dessa sociedade monótona e dar um jeito! Pois só nós, q não nos conformamos, que protestamos e que criticamos, podemos acender a faísca pra iluminar esse pensamento opaco de hoje! Vamos ocupar nossas mentes com coisas que realmente importam (sugiro q leiam, principalmente a Bíblia), que vão nos fazer indivíduos mais cultos e mais capazes de colocar nossa opinião de forma inteligente!É isso aí! Quem tiver "Boladão" com esse mundo fútil, pode protestar aqui no Blogadão!